Las exposiciones imprescindibles de este otoño en España

El otoño de 2026 promete una interesante agenda plagada de multitud de exposiciones y citas artísticas de todo tipo. A continuación seleccionamos algunos de los eventos culturales más atractivos de esta nueva temporada.

El museo reunirá por primera vez la obra de Edvard Munch y Pablo Picasso en una exposición que explora los paralelismos entre dos figuras clave de la modernidad. A través de un centenar de pinturas, dibujos y grabados, la muestra aborda temas comunes como el amor, la enfermedad, la muerte, la soledad, la angustia existencial, la representación de la mujer, la vida moderna y el desnudo, evidenciando cómo ambos transformaron el lenguaje artístico al situar la experiencia emocional en el centro de su creación. Comisariada por Paloma Alarcó, la exposición plantea un "encuentro imaginario" entre dos artistas que nunca coincidieron, pero que compartieron una profunda preocupación por los grandes interrogantes de la existencia y una voluntad de renovar los límites de la pintura desde perspectivas muy distintas.

Retrato de Steve McQueen.© James Stopforth

Artista, cineasta y guionista, Steve McQueen es un creador multidisciplinar que ha expandido su visión en multitud de territorios en los que explora temas personales y colectivos a través de las imágenes en movimiento. El británico ha reconocido que le gustaría “poner al público en una situación en la que todos se vuelvan intensamente conscientes de sí mismos, de su respiración”. Las condiciones físicas y materiales de la interacción con su obra —la escala, el sonido, la luz y la relación entre el espectador y el espacio— son tan fundamentales en su práctica como el propio entorno.

La muestra, integrada en el ciclo Territorios en tránsito / Solo dúo, está concebida como un diálogo entre los artistas Marco Giordano e Irene Grau y pone en común dos aproximaciones complementarias: mientras que Grau utiliza su propio cuerpo como herramienta para habitar el paisaje y convertir la acción performativa sobre la naturaleza en pintura, fotografía e instalación, Giordano propone un lenguaje escultórico en el que el cuerpo permanece ausente pero sugerido a través de materiales, sonido y palabra. El recorrido combina obras ya existentes con nuevas producciones realizadas específicamente para el museo. En conjunto, la exposición propone una reflexión sobre nuevas formas de entender el cuerpo como espacio de relación con aquello que tradicionalmente ha permanecido al margen de la condición de sujeto.

Repisa improvisada (2002-2003).Cortesía del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

La exposición, comisariada por Paula Luengo, se trata de una gran retrospectiva centrada en la figura de la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón (1934-2021). La cita trata de desentrañar los motivos recurrentes que la artista aborda en sus composiciones a lo largo de sus más de sesenta años de carrera entre Madrid, Sevilla y Sanlúcar de Barrameda. La muestra incluye alrededor de ochenta obras, entre óleos, pasteles, carboncillos y esculturas organizadas por secciones. Cada capítulo está dedicado a uno de los géneros artísticos clásicos más frecuentes en su obra —la figura, el bodegón y el paisaje— y a las iconografías propias de Carmen Laffón, como cestas, armarios, vides, cal o caliza y minas de sal.

Untitled, de Hannah Levy (2023) © Hannah Levy / Cortesía de la artista y de Casey Kaplan, New YorkDan Bradica Studio

Se trata de una ambiciosa exposición colectiva comisariada por Rashid Johnson que reunirá a 28 artistas de más de diez países en la muestra más extensa organizada hasta ahora en la sede de Menorca. El proyecto, concebido a partir de la idea de que vivimos un tiempo de profunda desorientación, propone explorar cómo el arte puede habitar la incertidumbre y generar nuevos lenguajes cuando las referencias tradicionales dejan de funcionar. La artista española Cristina Iglesias ha diseñado por primera vez el programa de escultura al aire libre, integrando obras en jardines, fachadas y recorridos naturales junto a creadores como Ali Cherri, Mona Hatoum y Rayyane Tabet. La exposición incluirá además instalaciones inéditas y piezas site-specific que reflexionan sobre la “falta de dirección” como un espacio abierto a nuevas formas de relación y significado.

La muestra un recorrido íntimo por el universo del fotógrafo Paolo Roversi que, a lo largo de su trayectoria artística de más de cuatro décadas, ha construido un lenguaje fotográfico absolutamente propio. En Doubts encontramos muchos de los elementos que mejor definen su manera de trabajar, entre los que se incluye su constante fascinación por las posibilidades experimentales que ofrece la Polaroid. La nave del Centro MOP se transformará para la ocasión en una red de secciones interconectadas, cada una de las cuales representará un aspecto diferente de su estética: Theatre, Appearances, Shadows, Doubts, People, Presence, Grace, Beauty y Fading.

La cita tiene como objetivo ofrecer una visión panorámica de la creación pictórica que actualmente se desarrolla en Andalucía. La muestra reúne a 27 creadores, en su mayoría pertenecientes a las nuevas generaciones, junto a cinco autores de trayectoria consolidada, con el objetivo de establecer un diálogo intergeneracional y mostrar la diversidad de enfoques que conviven hoy en la práctica pictórica. Lejos de plantearse como una defensa de la pintura frente a otras disciplinas, la exposición reivindica su vigencia dentro de un panorama artístico cada vez más híbrido, en el que las fronteras entre géneros resultan cada vez más difusas. El proyecto responde a la necesidad de dar visibilidad a una disciplina que había tenido menor presencia en anteriores exposiciones del CAAC, pese a seguir siendo una de las prácticas más extendidas entre los artistas contemporáneos andaluces.

jorge armestar

El museo presenta la primera gran exposición individual de las artistas Patricia Gómez y María Jesús González, cuya trayectoria se ha consolidado como una de las más sólidas y comprometidas del arte contemporáneo español. Su trabajo explora las relaciones entre espacio, identidad y memoria mediante intervenciones en edificios abandonados o en proceso de desaparición, rescatando las huellas materiales y humanas que contienen. Comisariada por María Jesús Ávila, subdirectora artística del museo, la muestra reúne por primera vez de manera integral el proyecto que ambas artistas desarrollan desde 2017 en torno al antiguo Hospital Psiquiátrico Provincial de Bétera (Valencia). Tras haberse presentado parcialmente en distintas exposiciones nacionales e internacionales, el conjunto de obras se exhibe ahora junto a nuevas piezas creadas específicamente para la institución, ampliando la reflexión sobre la memoria histórica, la exclusión y el olvido desde nuevas perspectivas materiales y conceptuales.

Graham Warrellow

Presentado en 2008, el Pabellón de escultura es una de las piezas más monumentales de la Colección MUSAC. Ahora la pieza se reinterpreta con motivo de esta exposición. La instalación, compuesta por 32 chapas de aluminio que conforman una única unidad escultórica, remite a un espacio expositivo que, en lugar de dar cobijo al arte, lo expulsa. Aláez dedica esta construcción a sus antepasados, subrayando así su procedencia. La obra plantea la búsqueda de un lugar seguro como un impulso ligado a la herencia y la supervivencia, y como punto de partida de su propia práctica artística.

La exposición dedicada a Yves Klein reúne más de veinte pinturas y obras escultóricas que recorren la trayectoria de uno de los grandes referentes del arte europeo. A través de piezas procedentes del IVAM, el Museo Reina Sofía y colecciones privadas, la muestra explora sus principales series —desde los célebres monocromos hasta las Antropometrías y la icónica piscina de pigmento azul Klein— para descifrar cómo el artista convirtió el color en una experiencia sensorial y espiritual capaz de redefinir los límites de la pintura. Comisariado por Cristina Carrillo de Albornoz en colaboración con Les Archives Klein, el proyecto también pone el foco en la relación del creador con España durante la década de 1950, incorporando documentos y publicaciones que ayudan a contextualizar los orígenes de su investigación sobre el monocromo.

DMF-Daniel Malhao, Fotografia (L

La muestra, comisariada por Miguel López-Remiro, explora la transformación como eje central en la obra de la artista portuguesa y reúne piezas desde finales de los años noventa hasta la actualidad, ofreciendo un recorrido por su evolución a través de esculturas e instalaciones monumentales que reinterpretan materiales cotidianos como textiles, cerámicas o azulejos. Con ellas, Vasconcelos establece un diálogo entre tradición y contemporaneidad, abordando la identidad cultural desde una perspectiva crítica.

Cortesía del Museo Guggenheim

Se trata de una ambiciosa retrospectiva dedicada a uno de los artistas más influyentes del arte estadounidense de posguerra. La muestra reúne cerca de un centenar de obras procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo y propone un recorrido integral por más de cinco décadas de producción artística. El itinerario se inicia con las emblemáticas pinturas de banderas, dianas, letras, números y mapas realizadas en los años cincuenta, piezas que marcaron una ruptura decisiva con el Expresionismo Abstracto. La exposición avanza hacia la década de 1960, cuando Johns firma obras de fuerte carga emocional que anticipan nuevas preocupaciones estéticas. A finales de esa década, su trabajo ya se había convertido en una referencia clave para el surgimiento del Arte Pop, el Minimalismo y el Arte Conceptual, corrientes con las que comparte un enfoque analítico y autorreflexivo. El recorrido culmina con obras de las décadas de 1990 y 2000, en las que Johns revisita algunos de sus temas más reconocibles y, al mismo tiempo, explora nuevas ideas formales y conceptuales.

Museo Nacional del Prado

El arte español de finales de la Edad Media no puede entenderse sin la decisiva influencia de Italia. Esa es la premisa de la que parte esta muestra, que indaga en las innovaciones estéticas, técnicas e iconográficas propias del Trecento que se importaron a la península ibérica y que dejaron una profunda huella en la cultura visual del momento. Junto a estos influjos, maestros locales desarrollaron fórmulas híbridas y originales que adaptaron los modelos italianos a contextos propios, dando lugar a un rico mestizaje artístico en el Mediterráneo occidental. La exposición reunirá más de un centenar de obras de distintas disciplinas —pintura, escultura, orfebrería, manuscritos iluminados, dibujos y tejidos—. Entre ellas figuran piezas poco conocidas e incluso inéditas, firmadas por destacados maestros italianos como Ambrogio Lorenzetti o Andrea di Petruccio, junto a creadores peninsulares como Ferrer y Arnau Bassa, los hermanos Serra o Miquel Alcañiz.

ME56MarisolGet Away From My Fishca.1974colored pencil on paperBequest of Marisol, 2016Albright-Knox Art Gallery

Esta retrospectiva reivindica el dibujo como eje central en la obra de Marisol. Nacida en París en 1930 y criada entre Estados Unidos y Venezuela, la artista fue una figura singular del arte de la posguerra, cercana pero nunca del todo adscrita al Pop Art, cuya obra abordó con humor y agudeza cuestiones de género, fama y poder. La exposición reúne más de un centenar de obras realizadas entre los años cincuenta y 2016, junto a una selección de esculturas, materiales de archivo y varias películas de Andy Warhol en las que la artista fue protagonista, subrayando la amplitud y coherencia de una trayectoria marcada por la experimentación. El título de la exposición recupera una frase del galerista Leo Castelli, pronunciada a finales de los años cincuenta, cuando la artista decidió abandonar Estados Unidos en un momento clave de su carrera. Esa idea de comienzo permanente atraviesa también sus posteriores retiradas del foco artístico y los regresos en los que su obra reaparece transformada.

La exposición ofrece un recorrido integral por la trayectoria de Aurèlia Muñoz, figura clave para entender el arte textil contemporáneo. Vinculada en sus inicios a corrientes como la nouvelle tapisserie y la Escuela Catalana del Tapiz, su obra trasciende los límites tradicionales del tejido y la artesanía. La muestra pone de relieve cómo la artista combinó técnicas ancestrales con recursos contemporáneos para abordar el impacto de las crisis posindustriales en los ecosistemas terrestre, acuático y aéreo, temas recurrentes en su producción. El recorrido incluye desde sus primeros collages y ensamblajes de influencia surrealista y gótica, hasta grandes bordados pictóricos y un conjunto inédito de estructuras de macramé procedentes de colecciones de España, Europa y Estados Unidos. También destacan sus esculturas-cometa, instalaciones realizadas con papel hecho a mano y una amplia selección de maquetas y dibujos nunca antes expuestos.

Luis Gordillo, Piscina azul, 1971. Acrílico sobre lienzo, 147 x 200 cm. Colección Suñol SolerCortesía del Museo Carmen Thyssen Málaga

La exposición propone un recorrido por la Colección Suñol Soler que invita al espectador a ‘leer’ las obras más que a simplemente contemplarlas. A través de una selección de piezas destacadas, la cita traza un relato sobre el arte español entre 1960 y 1980 —con especial atención a la escena catalana— y sobre la memoria que de ese periodo conservó el empresario y filántropo Josep Suñol Soler. El montaje reúne más de cuarenta obras que combinan lenguajes, cronologías y tendencias y se articula en torno a cinco ejes: la identidad del individuo, la naturaleza como fuente creativa, la esencia de las formas, el signo como lenguaje visual y la materia como origen de la creación.

La artista japonesa presenta en Europa su mayor exposición individual hasta la fecha. La cita profundiza en las conexiones invisibles entre objetos, fuerzas y sonidos. Reconocida por sus esculturas cinéticas y sus ensamblajes hechos con objetos encontrados e instrumentos musicales intervenidos, Mohri crea ecosistemas inestables que reaccionan a fenómenos imperceptibles como la gravedad, el magnetismo o la humedad. En Entralazamientos, la artista enfatiza la idea de que nada actúa de manera independiente: cada pieza forma parte de una red en continua transformación. Sus frágiles estructuras revelan la complejidad de los entornos naturales y artificiales, mientras incorporan un componente sonoro central y un sutil juego irónico que alude tanto a la filosofía como a la cultura pop y al legado del arte cinético.

Cortesía del Museo Guggenheim

Ruth Asawa (1926–2013) fue una de las figuras más destacadas del arte estadounidense de la posguerra. Criada en una granja del sur de California, su juventud estuvo marcada por el internamiento de su familia en campos para japoneses-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Tras esa experiencia, se formó en el influyente Black Mountain College, donde desarrolló una práctica innovadora basada en el uso de materiales cotidianos. Reconocida especialmente por sus esculturas colgantes de alambre, Asawa creó formas orgánicas y transparentes que exploran la repetición, el espacio y la luz. Instalándose en San Francisco a partir de 1949, amplió su obra a complejas estructuras tridimensionales que evocan flores, raíces y sistemas naturales, además de trabajar con bronce, pintura, grabado y dibujo. Desde finales de los años sesenta, su presencia fue clave en la escena cultural de la bahía, tanto por sus encargos de arte público como por su defensa de la educación artística y los derechos civiles.

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